Иногда поход в театр может помочь в проживании и осмыслении тем, проблем, ситуаций и конфликтов из реальной жизни не меньше, чем интенсивная работа с психологом, и вы наверняка испытывали это на себе. У такого эффекта есть и научное объяснение. Когда мы оказываемся на спектакле, попадающем в наши боли и внутренние запросы, возникает эффект, похожий на тот, который достигается при использовании метода психодрамы*. Мы решили сделать подборку таких терапевтичных спектаклей, которые можно увидеть в Британии или прямо сейчас, или в течение года — на сцене, на киноэкране, онлайн или в архиве Национального театра.
Дисклеймер: терапия театром не заменит обращение к психотерапевту и психиатру, но может использоваться как дополнительное средство саморегуляции и осознанности.
«Гамлет» (Hamlet)
Психологические темы, которые затрагиваются в спектакле: депрессия, БАР, переживание утраты, близкие отношения с психически нездоровым человеком
Я безумен только при норд-норд-весте; когда ветер с юга, я отличаю сокола от цапли.
Режиссер: Руперт Гулд
В ролях: Люк Таллон, Антон Лессер, Нэнси Кэррол, Джаред Харрис, Эллиот Леви, Джек Майерс и другие (в версии, которая шла в Стратфорде-на-Эйвоне); в туре по Британии в 2026 году роль Гамлета сыграет Ральф Дейвис.
Где смотреть: в туре по Британии с 25 февраля по 25 апреля 2026 года; актерский состав будет отличаться от оригинального. Запись спектакля с оригинальным составом можно увидеть в Шекспировском архиве в Стратфорде-на-Эйвоне. Расписание тура и билеты по ссылке.
О том, что еще на рубеже XVI и XVII веков Уильяму Шекспиру удалось описать симптомы депрессивного расстройства личности с точностью современного психиатра, написано много научных статей. Судите сами — основные симптомы депрессии находят отражение в тексте:
— ангедония: то что раньше приносило радость и удовольствие, больше их не приносит. Гамлет в своих монологах замечает, что утратил всю свою веселость и забросил все привычные занятия;
— отрицательный взгляд на мир, на происходящие события, негативная картина будущего. Вся земля кажется ему пустынным мысом, небо — мутным и чумным скоплением паров, а Дания — тюрьмой;
— нарушения сна и частые кошмары. Гамлет говорит: «Я мог бы замкнуться в ореховой скорлупе и считать себя царем бесконечного пространства, если бы мне не снились дурные сны». Да и одним из главных опасений при размышлении о самоубийстве также становится страх вечных кошмаров в вечном сне;
— суицидальные мысли. Сам культовый монолог «Быть или не быть» — это пространное размышление о правомерности суицида. Принц пытается решить:
Что выше:
Сносить в душе с терпением удары
Пращей и стрел судьбы жестокой или,
Вооружившись против моря бедствий,
Борьбой покончить с ним?
Да и дальше он то сетует, что самоубийство запрещено Богом, то говорит Полонию, что охотнее, чем с самим Полонием, расстался бы только со своей жизнью.
Руперт Гулд в своей крайне смелой, оригинальной и эстетически совершенной постановке для Королевской шекспировской компании вместе с исполнителем роли принца датского Люком Таллоном сознательно решил сфокусировать интерпретацию истории Гамлета на вопросах психического здоровья героя и реализовал это деликатно, смело и правдоподобно. В «Гамлете» мы видим не только главного героя на пике депрессивного эпизода, спровоцированного смертью любимого отца и скоропостижным новым замужеством матери, которое воспринимается им как предательство, но еще и реакцию многочисленного окружения на его внезапно изменившееся состояние и поведение. Эта реакции в свою очередь усугубляет или облегчает самочувствие Гамлета. Даже перенесение действия из средневекового замка на тонущий лайнер, очень похожий на «Титаник», можно интерпретировать как отражение турбулентного состояния психики принца. Кроме того, такой дизайн сцены позволяет зрителям также почувствовать себя в штормовом море и сильнее проникнуться переживаниями персонажа.
Что же касается людей, окружающих Гамлета, то Гертруда (Нэнси Кэрролл) явно рассчитывала на здорового и успешного сына. Вечно еле сдерживающий слезы хрупкий молодой человек вызывает у нее теперь смесь стыда, разочарования и плохо скрываемого раздражения, она буквально спешит покинуть комнату, стоит только там появиться Гамлету. Есть очень сильная сцена между Гамлетом и Гертрудой — тот самый диалог в опочивальне. Принц пытается изо всех сил доказать матери, что не безумен в классическом понимании этого слова, что он в контакте с реальностью. Она сначала вроде бы ему верит, хотя в разгар разговора Гамлета и посещает призрак отца. Гертруда кажется растроганной его просьбами и состоянием, обнимает его и жалеет. Но потом, стоит только Гамлету уйти, она тут же объявляет Клавдию, что сын сошел с ума и неуправляем, и тем самым полностью соглашается с решением Клавдия отослать Гамлета в Англию. Таким образом, она предает сына и окончательно становится на сторону нового мужа.
Что касается Клавдия, то сначала он не воспринимает болезного племянника — а теперь уже и пасынка — как угрозу, но со временем понимает, что непредсказуемое поведение Гамлета может грозить его статусу и его короне, поэтому спешит от него избавиться, испытывая нарастающую брезгливость, похожую на страх заразиться внезапным безумием принца.
Полоний — один из немногих, кто, кажется, искренне сочувствует Гамлету и даже видит свою вину в происходящем. Он уверен, что причина безумия принца — безответная любовь к его дочери Офелии, которой Полоний запретил общаться с Гамлетом, узнав об их зарождающемся романе. Но Полоний, увы, не психотерапевт и раньше с депрессивными эпизодами не сталкивался, поэтому и помочь не может, ибо не знает, как именно это следует делать. Кстати, заявление Гамлета, что он бы с радостью расстался с собственной жизнью, Полоний будто бы пропускает мимо ушей, хотя тут пора бы бить тревогу.
Если быть совсем диагностически точными, то у Гамлета на корабле не просто депрессивный эпизод, а депрессивная фаза БАР — биполярного аффективного расстройства первого типа (с учетом галлюцинаций). На это указывают резкие перемены настроения, регулярные подшучивания над собой и ситуацией и довольно высокая активность. При этом фазы депрессии и мании многократно сменяют друг друга за короткий промежуток времени. Принца штормит между горем, гротеском на грани эйфории и относительной стабильностью так же сильно, как и весь лайнер.
И только верный Горацио каждую минуту видит своего друга прежним, несмотря на его болезнь, и всегда общается с ним на равных, как с человеком взрослым и адекватным, пусть сейчас и страдающим от внезапного тяжелого недуга. Именно такое отношение и поддержка Горацио во многом помогают Гамлету не сдаться, довести дело до конца и даже выйти в ремиссию в последние минуты перед гибелью от яда.
«Гамлет» Гулда показывает, как не потерять себя перед лицом страшных обстоятельств, а концовка спектакля — один из самых катарсических и метафорически прекрасных финалов на сцене английского театра.
Полезные ссылки:
— о сцене-корабле — интервью с художницей-постановщицей Эс Девлин;
— о концепте корабля — интервью с режиссером Рупертом Гулдом;
— видео с репетиций;
— видео с пресс-найт.
«Удар» (Punch)
Психологические темы, которые затрагиваются в спектакле: переживание утраты, токсичная маскулинность, нейроотличность, социальная адаптация после тюремного заключения
Одна жизнь была растрачена из-за этого. Бессмысленно, совершенно без причины. Так какой смысл растрачивать еще одну, если мы можем помочь ему?
Драматург: Джеймс Грэм
Режиссер: Адам Пенфорд
В ролях: Дэвид Шилдс, Джули Хесмондал, Тони Хирст (оригинальный актерский состав). Полный актерский состав тура еще не объявлен.
Где смотреть: в Ноттингеме и Лидсе весной 2026 года. Тур по школам Великобритании пройдет в 2027 году.
«Удар» — это спектакль о реальной истории взаимного исцеления преступника и родителей его жертвы. Джеймс Грэм (Ink, Dear England, This House) всегда пишет о реальных людях и помогает заглянуть в их жизни, понять и почувствовать в них то, что откликается каждому из нас. Вот и в своей новой работе он очень бережно, трогательно и эмпатично рассказывает историю невероятного уровня всепрощения и человечности, основанную на мемуарах Джейкоба Данна Right from Wrong.
«Удар» повествует о юноше по имени Джейкоб (Дэвид Шилдс), который во время пьяной вылазки с друзьями ударил незнакомого молодого человека, стажера-парамедика Джеймса, у входа в паб и покинул место происшествия. Вследствие одного этого удара Джеймс впал в кому, и в конце концов его отключили от аппаратов жизнеобеспечения. Джейкоб попал в тюрьму, но вскоре из нее вышел. После освобождения Джейкоб остался без постоянного жилья и работы и стоял перед необходимостью начинать жизнь с нуля или вернуться в ту среду, которая привела его к трагедии.
И вот тут происходит самое невероятное. Джейкобу сообщили, что родители Джеймса, Джоан (Джули Хесмондал) и Дэвид (Тони Хирст), хотят переписываться с ним в рамках так называемого восстановительного правосудия, которое помогает жертвам преступлений шанс получить ответы и объяснения от преступника. Благодаря этой переписке начинается процесс взаимного исцеления, и Джейкобу она помогла взять жизнь под контроль, найти работу и поступить в университет для изучения криминологии.
Следующим шагом стала личная встреча Джейкома с Джоан и Дэвидом. Эта встреча очень сильно повлияла на юношу и укрепила его решимость сделать все возможное, чтобы предотвратить подобные трагедии в будущем. Родителям Джеймса эта встреча помогла увидеть в Джейкобе не чудовище, а раскаивающегося молодого человека, и они поверили, что он сможет измениться. Они решили поддерживать связь и вместе публично рассказывать о восстановительном правосудии и опасности даже одного удара.
В спектакле история раскрывается параллельно с двух точек зрения: мы видим ее глазами и Джейкоба и родителей Джеймса. Это позволяет нам наблюдать и за тем, как окружение и образ жизни Джейкоба привели его в тюрьму, и за психологическим путем Джоан и Дэвида и тем, что помогло им принять решение общаться с Джейкобом.
Много внимания уделяется тому, в какой обстановке жил Джейкоб до происшествия, его взрослению в социальном жилье в Ноттингеме с матерью-одиночкой, компании друзей, где одобрялось насилие, а лучшими развлечениями были драки и употребление алкоголя и наркотиков, которыми ребята еще и приторговывали. Также упоминается нейроотличность Джейкоба: со школьных лет у него были диагностированы СДВГ и принадлежность к аутичному спектру. Джейкобу сложно контролировать свою агрессию и поддерживать зрительный контакт, особенно в эмоционально значимых обстоятельствах. Его задиристый характер подчеркивается и музыкальным оформлением первого акта спектакля и световыми решениями. Темп повествования очень высокий, оно замедляется только во втором акте, когда Джейкобу приходится столкнуться с последствиями своих действий после выхода из тюрьмы. Смысловой центр второго акта — тот самый разговор с родителями Джеймса, который переворачивает жизни всех его участников.
Спектакль начал свой путь на родине Джеймса Грэма и самих героев — в Ноттингемшире, в театре Nottingham Playhouse, в мае 2024 года, а весной 2025 года он переехал в театр Young Vic в Лондоне и собрал там букет восторженных отзывов зрителей и критиков. Дальше «Удар» перебрался в Apollo Theatre в Вест-Энде, где его играли с 22 сентября по 29 ноября 2025 года с тем же составом, что и в Young Vic. Параллельно американская версия спектакля от той же команды создателей открылась на Бродвее, в Manhattan Theatre Club, в сезоне 2025/26 года. Весной 2026 года постановку можно будет увидеть в туре в Ноттингеме и в Лидсе, правда уже с другим актерским составом.
На протяжении проката после некоторых показов Young Vic устраивал беседы со зрителями — их аудиозапись можно прослушать на странице спектакля на сайте театра. Судя по обратной связи от зрителей, эта постановка затрагивает очень разных людей, как молодых, так и зрелых, тех, кто ассоциирует себя с Джейкобом, с его матерью, с родителями Джеймса.
Люди начинают делиться своими довольно тяжелыми историями прямо в процессе обсуждения, а это значит, что спектакль выполняет главную функцию — спровоцировать разговор на такие сложные, но очень важные темы. А на это способно только очень талантливое произведение искусства. При этом у истории светлый финал, и создается впечатление, что у всего зрительного зала и актеров наступает катарсис. После просмотра зрители выходят счастливые, растроганные, готовые любить и прощать людей.
В недавнем интервью для The Guardian Джеймс Грэм рассказал, что сейчас работает над сокращенной версией пьесы, предназначенной для школ. Речь идет именно о живых спектаклях, которые будут показывать школьникам непосредственно в месте их учебы.
Полезные ссылки:
— проект Forgiveness, с которым сотрудничают Джейкоб и Джоан;
— история Джейкоба;
— история Джоан;
— ролик про спектакль с драматургом Джеймсом Грэмом и Джейкобом Данном, прообразом главного героя, протагонистом истории и автором книги, на основе которой написана пьеса.
«Пятый шаг» (The Fifth Step)
Психологические темы, которые затрагиваются в спектакле: хронический алкоголизм, зависимость, преодоление зависимости, работа в группе анонимных алкоголиков с прохождением программы «Двенадцать шагов»
— Нет ничего правильного и неправильного.
— Это пятый шаг! Вся его суть в том, что есть правильное и что есть неправильное!
Драматург: Дэвид Айрленд
Режиссер: Финн ден Хертог
В ролях: Джек Лоуден, Мартин Фриман
Где смотреть: в кино в рамках проекта National Theatre Live
В «Пятом шаге» всего два героя — молодой парень по имени Лука, который лечится от алкогольной зависимости (Джек Лоуден), и его опытный наставник-спонсор Джеймс (Мартин Фримен). Двадцать лет назад Джеймс тоже проходил лечение в этой организации, а теперь помогает ее новым участникам встать на путь истинный. Поначалу Джеймс кажется практически идеальным примером успеха: он знает ответы на все вопросы, у него есть жена, сын и работа, и Лука, впечатлившись, выбирает его своим наставником для прохождения программы борьбы с алкогольной зависимостью «Двенадцать шагов».
Пьеса шотландца Дэвида Айрленда «Пятый шаг» автобиографична: автор в молодости страдал алкоголизмом и посещал группу анонимных алкоголиков. Его мучили те же вопросы о Боге и смысле жизни, которые мучают Луку. Ему удалось выбраться, стать успешным драматургом, жениться и завести двоих детей, и он даже пришел к Богу в то время, когда ему это стало нужно. Хотя именно религиозная составляющая изначально больше всего смущала Айрленда во время посещения группы. Все свое смятение и надежду на хеппи-энд он смог отразить в пьесе. В предисловии к ней Айрленд отметил, что Лука и Джеймс похожи на две его ипостаси — молодую и зрелую.
Впервые пьесу поставили на Эдинбургском фестивале в 2024 году, с Джеком Лоуденом в роли Луки и Шоном Гилдером в роли Джеймса. Потом ее несколько изменили, на роль Джеймса пригласили Мартина Фримена и перенесли в лондонский театр @sohoplace. Именно эту версию записали для показов в кино в рамках проекта NTLive.
В актуальном варианте получилась драматическая комедия о том, что внешность бывает обманчива и что идеальных людей не существует, рассказанная через призму нелегкого пути адаптации к новой жизни людей с алкогольной зависимостью. Все взаимодействие Луки и Джеймса вертится вокруг прохождения пятого шага из двенадцати предусмотренных программой. Если на шаге номер четыре было необходимо вспомнить все свои неприглядные поступки, за которые испытываешь стыд, способный позднее спровоцировать новый срыв, то на пятом шаге требуется рассказать об этом всем другому человеку. В ходе развития истории Лука ведет себя с Джеймсом откровенно и непосредственно, доверяя ему все больше и больше. А Джеймс пытается быть мудрым старшим товарищем, но это получается у него все более нравоучительно, с выгуливанием белого пальто.
Юмористический эффект от постановки достигается за счет разницы в культурном бэкграунде и возрасте Луки и Джеймса, а также за счет прямолинейности Луки: он задает Джеймсу неудобные вопросы, искренне интересуясь ответами, ставит под сомнение стандартные постулаты, звучащие из уст Джеймса как из методички, жалуется наставнику на то, что ему грустно, скучно, одиноко, делится с ним подробностями личной жизни. Сначала ставит под сомнение религиозные догмы, но со временем начинает рьяно и простодушно верить в христианского Бога, в то время как Джеймсу ближе буддизм. Чем дальше мы углубляемся в историю Луки, тем больше понимаем его. И чем дольше мы наблюдаем за Джеймсом, тем больше трещин можем видеть в его идеальном фасаде. Это история о том, как один человек пытается залечить свои травмы, помогая другому. При этом оказывается, что ему самому помощь нужна ничуть не меньше, чем подопечному.
«Пятый шаг» дает зрителям возможность попасть в голову и в мир человека из небольшого британского города, где паб и церковь являются основными местами развлечения и цивилизации и где употребление алкоголя напрямую связано со скукой и с опасением стать изгоем, а также с мнением, будто в трезвом состоянии невозможно найти себе пару.
Важная составляющая успеха «Пятого шага» — актерский тандем Лоудена и Фримана. У них отличная химия, прекрасный баланс юмора и драмы, они держат аудиторию и помогают зрителю увидеть очень живых героев на сцене и максимально сонастроиться с ними эмоционально.
Спектакль показывает, что дружба и взаимопонимание могут родиться даже из не самых благоприятных предпосылок, если люди позволят себе быть уязвимыми и честными.
«Рассветный воздух» (The Brightening Air)
Психологические темы, затронутые в спектакле: высокофункциональный аутизм, жизнь в семье с человеком с аутизмом, с человеком с инвалидностью, безответная любовь
Какая часть жизни — на самом деле забывание?
Драматург, режиссер: Конор Макферсон
В ролях: Крис О'Дауд, Брайан Глиссон, Рози Шихи, Ханна Морриш, Шон Макгерни
Где смотреть: онлайн в рамках проекта National Theatre@home
«Рассветный воздух» Конора Макферсона — история взаимоотношений большой дисфункциональной ирландской семьи. Макферсон известен широкой публике как драматург и режиссер. Среди его самых ярких работ — мюзиклы Girl From The North Country и Cold War, драма The Weir, самая свежая из версий которой, с участием Брендана Глисона, только недавно закончила идти на Вэст-Энде и скоро будет экранизирована. Теперь же Макферсон принес на суд зрителям свою новую оригинальную пьесу о жизни большого семейства в ирландской глубинке, в графстве Слайго, в 1980-х годах. Макферсона по заслугам называют ирландским Чеховым: он умеет показать глубокую драму эпох и поколений через очень частные истории очень живых персонажей, и «Рассветный воздух» не становится исключением.
Итак, у нас есть трое сиблингов: старший брат Дермот (Крис О'Дауд), средний Стивен (Брайан Глиссон) и младшая сестра Билли (Рози Шихи). Билли — в аутичном спектре. Это не проговаривается напрямую, но довольно быстро становится понятно из контекста и поведения героини и окружающих ее членов семьи и друзей. Например, Билли часто не смотрит в глаза собеседнику, имеет определенные маньеризмы в поведении, не любит, когда к ней прикасаются, любит долго и много говорить про поезда... В спектакле часто упоминают, что Стивен остается на ферме, потому что за Билли нужно присматривать, что у нее бывают проблемы с координацией движений, поэтому она несколько раз неудачно падала на улице. Кроме того, однажды у нее случается приступ агрессии в ответ на высказывание Дермота,и это влечет за собой долгоиграющие последствия для всей семьи. При этом Билли вполне адаптирована к жизни, ухаживает за любимым курятником, она точно знает, чего хочет, и никогда не боится сказать «нет», если ей что-то не подходит.
В спектакле есть момент, когда Дермот говорит Билли: «Ты не нормальная!» Билли возражает, утверждая, что она как раз очень нормальна. На что Дермот отвечает: «Ты не нормальная, ты супернормальная». Через отношение Дермота к Билли показано бытовое определение нормы поведения и того, что Билли в него не вписывается. С другой стороны, видна и относительность понятия нормы. В наши дни, когда аутизм научились более точно диагностировать, вариативность спектра значительно расширилась, и в него могут попадать люди, которые вполне адаптивно ведут себя в повседневной жизни. История Билли — один из таких примеров.
Билли и ее состояние становятся своего рода центром, вокруг которого строятся взаимоотношения всей семьи. Так, Стивен, младший из двух братьев Билли, живет в старом семейном доме и присматривает за Билли. Он суровый, добрый, немногословный, всегда придет на помощь и носит в себе какую-то невыразимую внутреннюю боль, причина которой становится понятна только со временем. Старший брат Дермот, самый успешный из троих, владеет сетью кафе в большом городе, женат на красавице Лидии (Ханна Морриш) и воспитывает двух детей. Но, вот незадача, Лидию он уже, кажется, не любит и готов завести интрижку с молодой и дерзкой коллегой Фрейей (Эшлинг Кернс). К Билли же Дермот относится снисходительно и особого внимания ей не уделяет. Сама Лидия все еще любит мужа или очень сильно убедила себя в том, что любит, и готова на все, чтобы его вернуть,— даже обратиться к древней ирландской магии. Интересно, что Лидия относится к Билли как к равной и никак не выделяет ее состояние как особенное. Именно в разговорах с Лидией Билли больше всего делится своими мечтами и переживаниями.
В истории также присутствует слепой, но очень красноречивый дедушка — разжалованный пастор Пьер (Шон Макгинли), брат уже умершего отца семейства, и его ассистентка, а возможно, и любовница, красотка Элизабет (Дербл Кротти), у которых имеются свои планы на семейную ферму, где живут Билли и Стивен. Билли часто иронизирует над Пьером и не воспринимает его в качестве большого авторитета.
В этой семейной истории в стиле «Дяди Вани» переплетаются социальный и магический реализм и затрагиваются темы взросления, жертвенности во имя семьи, борьбы за наследство, несчастной любви и трагических недоговоренностей.
Полезные ссылки:
— кто кому приходится в этой истории;
— интервью с драматургом и режиссером Коннором Макферсоном.
«Рядом с нормой» (Next to Normal)
Психологические темы, затронутые в спектакле: БАР, переживание утраты, близкие отношения с психически нездоровым человеком
Просыпаетесь ли вы утром, нуждаясь в помощи, чтобы поднять голову? Читаете ли вы некрологи и завидуете ли мертвым? Это будто жизнь на краю утеса, когда не знаешь, когда прыгнешь вниз. Знаете ли вы, что это значит — умирать заживо?
Либретто: Брайан Йорки
Автор музыки: Том Китт
Режиссер: Майкл Лонгхерст
В ролях: Кейси Леви, Джейми Паркер, Джек Вулф, Элеанор Ворсингтон-Кокс, Тревор Дайон Николас, Джек Офресио
Где смотреть: онлайн в рамках проекта National Theatre@home
Если в «Гамлете» БАР и депрессию показывают симптоматически и метафорически, то в рок-мюзикле «Рядом с нормой» они становятся центральной темой повествования. Главные герои — семья Голдбергов: супруги Диана и Ден, их дочь Натали и сын Гейб. Они живут традиционной жизнью среднего класса в американском пригороде, вот только Диана уже много лет страдает от биполярного аффективного расстройства, спровоцированного некой сильной психологической травмой. Тем временем ее муж и дочь пытаются жить и справляться и с последствиями той самой травмы, и с хронической болезнью Дианы. Справляться получается не очень. Натали чувствует себя невидимой на фоне образа идеального брата. Superboy and the Invisible Girl — одна из ее главных песен в этом мюзикле, а Дэн пребывает в вечном стрессе. Так, ожидая Диану в машине во время ее приема у доктора, он спрашивает сам себя: «Кто из нас по-настоящему сошел с ума? Тот, кто не может справиться, или тот, кто все еще надеется? Тот, кто ходит к доктору, или тот, кто ждет в машине?»
Весь мюзикл состоит из монологов и диалогов героев в виде рок-баллад с очень точными и яркими текстами. Недаром либретто «Рядом с нормой» получило Пулитцеровскую премию как лучшая драма в 2008 году.
Вы спросите: как вообще возможно говорить о психиатрии в мюзикле? Главное — проявить изобретательность, такт и чувство юмора. Например, в песне My Psychopharmacologist and I члены семьи Дианы танцуют с баночками таблеток, которые используются как маракасы, и весь танец выглядит как галлюцинация главной героини. При этом в тексте точно и с отличным чувством юмора описываются побочные эффекты отдельных препаратов, которые Диана принимает годами. И ее главная жалоба — то, что в случае удачного, по мнению доктора, выбора она не чувствует вообще ничего.
Что чувствует при этом зритель? Во-первых, что ему доверяют.
На моей памяти это первый и пока что единственный мюзикл, который так смело и откровенно говорит о БАР, депрессии, галлюцинациях, психотических эпизодах и методах лечения всего вышеперечисленного, а также о том, как семья человека с психическим расстройством может проживать этот опыт. В частности, обсуждается этичность применения метода электроконвульсивной терапии при лечении БАР и его возможные побочные эффекты, а также опасность самовольного и резкого прекращения приема препаратов и предполагаемые последствия такого решения. Так, одна из самых известных песен в «Рядом с нормой» — I Miss the Mountains. В ней Диана сравнивает себя с дочерью, которая впервые влюбилась, и скучает по широкой гамме чувств, отобранной у нее антидепрессантами.
Яркие актерские работы, сильная музыка и чрезвычайно точные и талантливые тексты делают мюзикл очень информативным для тех, чьи близкие страдают БАР, депрессией или переживают утрату, и очень терапевтическим для тех, кто сам болеет этими расстройствами или проживает подобные психотравмирующие события.
Режиссер спектакля Майкл Лонгхерст в интервью для телеканала PBS отмечал, что после пандемии коронавируса население Великобритании стало не только больше интересоваться темой психического здоровья, но и более откровенно на нее говорить. В частности, его коллеги стали признаваться, что посещают психотерапевта или принимают антидепрессанты. Тем не менее тема ментального здоровья все еще остается довольно табуированной в британском обществе, а спектакли, которые открыто обращаются к ней, вызывают сильный эмоциональный отклик у зрителей. Поэтому Лонгхерст решил, что пришло время поставить этот мюзикл в Великобритании.
«Рядом с нормой» сначала шел в театре Donmar Warehouse, потом был перенесен на Вест-Энд, а теперь его запись будет доступна онлайн в рамках проекта National Theatre@home.
Полезные ссылки:
— фрагмент мюзикла «You don't know»;
— попурри из мюзикла, исполненное на церемонии вручения премии Оливье — 2024.
«После жизни» (After Life)
Психологические темы, которые затрагиваются в спектакле: переживание утраты, страх смерти, суицидальные мысли, депрессия
— Вы совсем не похожи на ангела!
— Как мило с вашей стороны это сказать!
Драматург: Джек Торн (пьеса написана по мотивам одноименного фильма Хирокадзу Корээды)
Режиссер: Джереми Херрин
В ролях: Люк Таллон, Анушка Лукас, Того Игава, Джун Уотсон, Мэдди Холлидэй, Миллисент Вонг
Где смотреть: в архиве Национального театра (с понедельника по четверг, бесплатно, по предварительной записи)
По сюжету, между жизнью и смертью есть некая социальная служба. Ее сотрудники — проводники, которые помогают недавно умершим выбрать в течение недели и воссоздать то единственное воспоминание, с которым они хотят остаться в вечности. «То воспоминание, которое вы забираете с собой, может освободить вас, но может и поработить»,— говорит Второй проводник (Люк Таллон) одному из своих подопечных. Весь спектакль — это одновременно смешная и грустная притча, душевная и очень человечная, о том, как принять свой (или чужой) уход и не бояться того, что будет дальше.
Спектакль показали в зале Dorfman Национального театра в 2021 году — самым первым после пандемии. Интересно, что эту пьесу готовы были поставить уже в 2020 году, но спектакль пришлось по понятным причинам отложить. В итоге он вышел в полном соответствии с принципами социального дистанцирования, а зрители сидели в масках. Так, Люк Таллон в интервью для театрального подкаста вспоминал, как на репетициях между актерами постоянно клали ярко-желтые линейки, которыми отмеряли те самые предписанные два метра. Ковид-бэкграунд добавляет меланхоличности и эфемерности и сюжету, и первому живому театральному опыту постковидного мира как таковому. Эта меланхоличность передается даже через экран монитора.
В «После жизни» очень ненавязчиво, но регулярно адресуется тема добровольного ухода из жизни и того, как можно распознать человека с суицидальными наклонностями. «Важно не то, что они говорят, а то, о чем они молчат!» — восклицает Второй проводник в ответ на замечание молодой стажерки, что на записи воспоминания их клиент просто сидит на каком-то рабочем собрании и ничего не говорит. А еще Второй проводник как-то подозрительно быстро распознает, что бабушка-клиентка, которая то грустит о брате, то переживает за оставшуюся в квартире кошку, на самом деле покончила с собой. И хочет создать для нее самое прекрасное и самое подходящее воспоминание: «Мы должны отправить ее дальше с чем-то очень красивым, потому что она заслуживает самого лучшего!»
В определенный момент мы осознаем, что проводники — это такие же умершие люди, так и не решившиеся выбрать единственное воспоминание, которое останется с ними в вечности, и поэтому оставшиеся работать в службе между мирами в ожидании момента, когда наконец-то смогут сделать выбор и осуществить переход.
«После жизни» оказывается очень светлой и красивой медитацией на вечный вопрос, что есть жизнь, любовь, счастье, дружба, преданность своему делу. А еще постановка говорит о важности повседневных моментов, которые на поверку оказываются квинтэссенцией эфемерного счастья, ради них стоит жить и в них хочется остаться навсегда.
Полезные ссылки: медитация «Мое самое яркое воспоминание» с актерами спектакля.
* Психодрама — терапевтический подход, в рамках которого человек не только проговаривает свои эмоции, мысли и чувства, но и воплощает их в действии. Сеансы психодрамы напоминают спектакли и могут проводиться как в группах, так и индивидуально. Главным героем, или протагонистом, является тот, кто ищет помощи у психолога. Остальные участники группы под руководством специалиста помогают ему взглянуть на его жизнь с другой стороны. Участники исполняют роли людей из реального окружения протагониста или представляют его внутренние состояния.
